In Korean ：Ouma / 자연으로부터 배우는 공존의 기술
English below
2013年、初の個展で作家デビューしたOuma(Tomoko Omata)作家は元獣医だ。作家は2011年東日本地震の影響で無力感を感じ、獣医師を辞める前も患者である動物を好んで描いた。治療は外科だけでなく内科的な意味合いもあるため、正常または非正常な細胞をスケッチすることも含まれる。このような自伝的背景は生命と生命の基本単位である細胞などが思い浮かぶ多様な図像とし現れる。獣医学より芸術でなお自由を見出した彼女は現在、世界各国を廻りながら作品活動を進めており、韓国も途中の経由地である。テミー芸術創作センターは海外入居芸術家として参加、個展のサブタイトルは「生物と非生物の境界についての調査研究」である。この大げさなテーマは生と死の間で正常と非正常の境界を扱って来た人にとっては自然なものだ。 又、境界の問題は科学から芸術に関心分野を移した自分にも大事な問題でもあっただろう。
展示場に足を入れるとすぐ目に入るセラミック作品「ミトコンドリア像 － Mitochondria-san」は細胞からエネルギーを作り出す重要な器官であるミトコンドリアの形からインスピレーションを受けたもので、高温で焼かれ硬くなる前,柔らかい土を揉みながら作家が感じたであろう命のイメージがそのまま伝わる。ミトコンドリアは本来独立した個体であったが、他の個体と共生しながら内部器官になったケースだ。プリチョフ·カプラは「生命の網」から共生起源説（symbiogenesis）を紹介する。この理論は恒久的な共生配列で新たな生物形態が創造されることを全ての高等動物の主な進化経路と見なしている。同書で紹介された生物学者マグリスによるとミトコンドリアは本来自由に放浪したバクテリアであって、遥か過去に他の微生物の中に侵入、そこで恒久的になったと推測する。作家が多数の細胞内器官でミトコンドリアに注目したのは、それが境界の問題を提起するからである。
我でありながら他者でもあるこの器官で大事なのは、共生に対するメッセージである。生物学も長い間、世界観によって左右されたという疑いは価値中立的な科学の時代において克服したとは言えない。芸術は科学より価値志向的であるが作家は競争や適者生存、弱肉強食、優勢類のような唯我独尊式のカテゴリーよりも共存と共生を強調する。 ひとつでありながら繋がる作品が多様な形式で布陣されている。設置作品「集合生命 － Life Continuous」は和紙と韓紙で出来たもので、区別の付かない程縺れている。野生的に演出された領域に観客も入れるし、掛けてある紙を破ったりまた繋げることも可能である。細胞という微視的な宇宙の中に細胞から出来た個体が入り相互作用するものである。小宇宙は大宇宙になり、大宇宙は別の次元の小宇宙にもなれる。生態学的次元に拡張すると、それは生命の網にも連想できる。
プリチョフ·カプラは「生命の網」から「人間が生命の網を織るのではない。人間とは単に網の中の一本に過ぎない」と話し、「その網に加える全ては自分に向けられたものだ」と引用した。無論このような有機体的思考は機械の躍進を通して変化して行く。生物学者出身の思想家ダナ·ハロウェイは「類人猿、サイボーグ、そして女」でギリシア人は市民(citizen)、都市(city)、宇宙(cosmos)が同じ原理で建設されると想像したと話した。それは個体が生きている巨大な宇宙の有機体の一部だという思想を生み出した。ところがこのような思想は機械との接続が必須となった現代では拡張される必要がある。Ouma作家のテーマである生物・非生物の境界は最も問題化されるであろう。それは科学技術と同じくらい政治と芸術の問題になる。ダナ·ハロウェイが強調したように、何が単位で、即ち一つと見なすかの問題は永久に与えられたものではない。開かれた境界を生命に例えると、病気や死を思い浮かばせる。
しかし、それは変化した生態系に適応した、進んでは新たな種を創発する実験だと言える。作品「集合生命」で、一つの細胞が分裂を重ね巨大な有機体になり得るよう、引き裂きまたそれを結ぶ行為には生命の過程を圧縮させる。 又、それは時の流れに乗り、細分化され、古びていく過程を見せてくれる。生物にとってこの時間的過程は必須である。演劇舞台のセットのような設置作品は刻々と展開する過程とその過程を主観若しくは享受する体の知覚を重視する。空間的知覚は時間的記憶とも結びつける。日本の和紙と韓国の韓紙は薄さは異なるが、同じ原材料であり、赤い紙は視覚的な強調をくれる。間欠的に見える赤い紙は様々な細胞を回りながら栄養を供給し、老廃物を取り除き、外部の敵に対応する血を連想させる。Ouma作家が用いた紙という素材は木という生命体から作られた生産物であり、異なる国の紙を使ったのは作家が入居していた時期に騒がした日韓関係も反映されている。
作家がここで強調するのは「分離」より「結び」である。作品「晒された椅子－Exposed Chair」は常に他者との協業を念頭に置く作家が差し出した空席である。椅子は人間を思い浮かばせる。より正確には不在であるが、不在により現存が暗示されるのである。赤色の絵の具を被ったこの椅子は「I am stupid」という極めて人間的なセリフも含めている。作家は生命の定義は「愛着」であると言う。大田（テジョン）で購入した古びたこの椅子は作家にとっては愛着の対象であるというところで無生物に留まらない。赤い色は椅子を擬人化すると同時に日本の国旗も思い浮かばせる。作品「系統樹－Phylogenetic Tree」は横幅が20cmの小さな紙に描いたもので、他の色で塗られているが線が繋がっている。 一枚ずつ販売される。販売された場所は空けたままにしておく。別々に、また一緒に動くこのようなスタイルの活動は2016年フィンランドから始まり、中国、日本などでも行われ、今後の旅でもそうだろう。
各国を遊牧する作家にとってこのようなやり方は部分と全体を同時に充足させ、拡張性を持たせる。作家は、37兆個の細胞で構成された人体の例を挙げながら、このような細胞が集まり唯一無二の個人を作り、個人が再び社会を構成していることを強調する。作品がプレゼントや販売で無くなるとしても補充は常に続く。まるでこの瞬間にも更新され続けている体の細胞のように。このようなやり方は他人との作品作業でも貫徹される。世界各国の市民が参加する共同創作物である「ソラプロジェクト（SORA Project）」は、シュールレアリストたちの「甘美な死骸」のようなやり方で進められる。 日本語の「ソラ」は空を意味するので、これらの作品は空をつないで描くことになる。 国家は領空、領海などの概念で、区切りのない空と海にも見えない線を設定したりもする。 しかし、それは人間の規則にすぎず、自然の法則ではない。一つの作品が一つの細胞、又一人の個人のよう作動する共同創作は一つの作品の持ち主が誰なのかも問題に提起される。 このプロジェクトは現在、韓国を含め16カ国で行われている開かれた作品である。
天井に掛けられた作品「標本－Specimen」は前後に描かれた絵であり、病理学に高い関心のあった作家の好みが反映されている。種を知ることのできない奇怪な形に加え、通常は前面だけの絵の裏面まで埋めているのだから正常ではない。ところが芸術は正常・非正常の境界が命より最も柔軟である。奇異な形は病理的なことも「疾病はまた他の命の過程」（ジョルジュ·カンギレム）であることを示している。ジョルジュ·カンギレムは「正常と病理」で「命の規範は正常時より逸脱状態でよりよく認識される」と言う。生物には病気も命の規範に従うためだと言うのだ。人間と人間、国家と国家の関係も同じである。Ouma作家がテミに滞在した2019年に日本と韓国はどの時期よりも敏感であった。 しかし、国家と社会には差がある。国家が分離することを社会は繋げることができる。国家主義を強調しながら政治的利益を取る政治家とは違って、民間領域、特に芸術では良心的な勢力が多い。
全体主義に対抗し少数の意見に忠実した日本人を多く目にする。芸術が追求する多様性の共存は分派的な利益とは大幅異なる。作家はマスメディアによって更に誤解の深まる両国関係を芸術作品で治癒しようとした。地域の高校生と共にしたワークショップを基に「Apple Project」は韓国と日本の相互の理解のためのプロジェクトであった。作家は「北朝鮮と日本に対する考えを自由に描いてほしいと」と課題を出した。結果によると，国家間の関係が梗塞された時期を反映した意見がかなり多かった。21世紀の作品らしく、展示場での過程はSNSと連動された。作家は取りまとめた意見を日本語に翻訳しブログにも紹介した。自由に持ち帰って欲しいと置いてあった100個のリンゴは同プロジェクトのため日本人から援助されたものであった。それは相互の理解のための民間レベルでの動きであり、多様性と共存を強調する芸術的な実践でもあった。
出典:テミ芸術創作センター
Ouma, or Tomoko Omata, who debuted as an artist with her first solo exhibition in 2013, used to be a veterinarian. Even before she quit her job due to the feeling of helplessness after the Great East Japan Earthquake in 2011, she enjoyed drawing animals, who were her patients. As treatment has both surgical and internal aspects, it includes sketches of normal or abnormal cells. Such an autobiographical background is expressed through a variety of images that recall cells, the basic units of life. After finding more freedom from art rather than veterinary medicine, she has traveled to countries around the world producing her works, and Korea is one of her stopovers. The subtitle for her solo exhibition she held as an international resident artist in the Artist Residency TEMI is ‘Research for the Border between Living or Non-living Thing.’ This seemingly grandiose theme is natural to an artist who has dealt with the boundary of the normal and abnormal between life and death. Also, the issue of border must have been important to her, as she moved her attention from science to art.
Mitochondria-san, the ceramic work visitors see first when they enter the exhibition hall, was inspired by the form of mitochondria, important organelles that produce energy in cells, and it delivers the image of life that the artist must have felt while kneading soft mud before the piece was baked and became solid. Mitochondria started out as independent entities but entered into symbiotic relationships with other entities to finally become internal organs. Fritjof Capra introduced the theory of symbiogenesis in his book The Web of Life. The theory sees the creation of new life forms through permanent symbiotic arrangements as the principal avenue of evolution for all higher animals. According to Margulis, a biologist referred to in this book, mitochondria are presumed to have been free-living bacteria at first, and to have invaded into other microorganisms and taken a permanent position in the remote past. The artist took notice of mitochondria, among numerous different organs in cells, because they raise the issue of border.
What is important about these organelles, which are both ‘I’ and ‘the other,’ is the message about symbiosis. Biology was dominated by the world views for a long time, and it can’t be seen to have overcome this problem even in the value-neutral age of science. Art is more value-oriented than science, and the artist stresses coexistence and symbiosis more than self-centered ideas including the survival of the fittest, the law of the jungle and dominant groups. Works that are independent but linked to each other are lined up in various formats. Life Continuous II, an installation work, was created using Japanese paper and Korean paper which are interconnected closely beyond distinction. Viewers can enter the scene arranged like the wilderness and tear up and connect the pieces of paper. A cell is a microscopic space, where entities made of cells enter and interact with one another. A microcosmos becomes a macrocosmos, which can become a microcosmos in another dimension. If we extend this to the ecological dimension, it brings to mind the web of life.
In The Web of Life, Capra quoted, “Man did not weave the web of life; he is merely a strand in it,” and “Whatever he does to the web, he does to himself.” Of course, such organismic thinking continues to change through the rapid development of machines. Donna Haraway, a biologist-turned-philosopher, wrote in her book Simians, Cyborgs, and Women that Greeks conceived the citizen, the city, and the cosmos to be built according to the same principles. This led to the emergence of the idea that entities are parts of a large living cosmic organism. However, this idea needs to be expanded today, where access to machines is essential. The issue of the border between living and non-living, which is Ouma’s theme, will draw more attention. It is a leading political and artistic issue as much as science and technology. As Haraway emphasized, the issue of what counts as a 'unit', a one, is highly problematic, not a permanent given. An open border reminds of diseases or death in life.
However, this can be seen as an experiment to adapt to the ecosystem that has changed and generate a new species. The artist’s work Life Continuous summarizes the process of life through the actions of tearing up and connecting, as if a cell repeats division to become a large organism. It also shows the process of fragmenting and getting worn through the passage of time. Such a temporal process is essential for organisms. The installation work, which is similar to the set on the theater stage, stresses the process unfolding minute by minute as well as physical perception that organizes or enjoys the process. Spatial perception is also linked to temporal memory. Japanese Washi and Korean Hanji papers are produced using the same material, although they differ in thickness, and red-colored paper provides a visual point of emphasis. Red paper pieces that occasionally stand out recall blood, which passes by numerous cells, supplying nutrition, cleaning wastes and responding to external enemies. Paper, the material used by Ouma, is a product made from the trees that are living organisms, and her utilization of paper from two different countries reflects the relationship between Korea and Japan, which became an issue during her residency period.
What the artist stresses here is interconnection rather than division. Exposed Chair is an empty seat she offers as she is always open to collaboration with others. The chair calls to mind a human being. More strictly, it represents absence, but an existence is suggested through absence. The chair covered with red paint is wearing a distinctively human-like message that reads ‘I am stupid.’ The artist says that she thinks the definition of life is ‘affection.’ This old-style chair, which she bought in Daejeon, is not an inanimate object because it’s the target of her affection. The red color personifies the chair and, at the same time, reminds of the Japanese national flag. Phylogenetic Tree consists of small paintings on 20cm-wide paper sheets, in which the lines painted in different colors are connected between the paintings. Individual paintings are for sale, and the empty places are left the way they are. This style of work, in which individual pieces work both separately and together, originated in Finland in 2016 and made its way to China, Japan, etc. She intends to maintain the style in the future.
For the artist who is drifting between numerous countries, this style provides both partial and entire fulfillment and expandability. She takes the example of the human body made of 37 trillion cells, emphasizing that these cells together form a one-and-only individual and that these individuals again form a society. When artworks are given away or sold, they are supplemented, just like cells in the body that continue to be renewed all the time. This method is also maintained in her joint works with others. The SORA Project, a collaborative creation project participated by citizens from various countries around the world, is carried out in the method of ‘Exquisite Corpse’ used by surrealist artists. In Japanese, ‘sora’ means sky, so the works are collaborative drawings of sky. Nations set up invisible borders on the sky and sea under the concepts of territorial sky and territorial waters. However, they are human rules and not laws of nature. Collaborative creation, in which a piece works like a cell or an individual, raises the question of who the work belongs to. The project is an open effort currently in progress in 16 countries including Korea.
Specimen hanging down from the ceiling is a two-sided work reflecting the personal preference of the artist who used to be deeply interested in pathology. Bizarre shapes that belong to unrecognizable species and both front- and back-side drawings appear to be abnormal. However, in art, the border between normal and abnormal is more flexible than in life. The weird shapes suggest that “a disease is another process of life” (Georges Canguilhem). He wrote, in The Normal and the Pathological, “the norms of life are perceived better in deviant condition than in normal condition.” This is because even a disease follows the norms of life in organisms. It’s the same in relationships between individuals and countries. In 2019, as Ouma was staying in TEMI, the relationship between Korea and Japan was more sensitive than ever before. However, there are differences between countries and societies. A society can connect things that a country divides. Unlike politicians who stress nationalism for political interest, there are a lot of conscientious people in the private sector, and especially in art.
We see many Japanese people who fight against totalitarianism and stick to minority opinions. There is a significant difference between the coexistence of diversity, which is pursued by art, and sectarian benefits. The artist intended to provide healing for the relationship between the two countries, which was getting aggravated by misunderstandings caused by mass media, through artworks. Apple Project, which is based on a workshop joined by local high school students, is intended to promote mutual understanding between Korea and Japan. The artist gave them an assignment to write their opinions about North Korea and Japan freely. The result showed a lot of opinions reflecting the strained relationship between the two countries. Befitting the work’s time frame in the 21st century, the process happening in the exhibition hall is linked to social network services. The artist translated the collected opinions in Japanese and posted them on her blog. One hundred apples, which were offered for visitors to take freely, were donated to the project by Japanese individuals. It’s an act for mutual understanding on the private level, and an artistic practice focused on diversity and coexistence.
by Lee Seon-yeong (Art critic)